Bande dessinée : définition, histoire et évolution du 9e art

La bande dessinée est un art narratif qui associe texte et images séquentielles pour raconter une histoire. Reconnue comme le 9e art depuis les années 1960, elle a traversé deux siècles de mutations — des « histoires en estampes » du Genevois Rodolphe Töpffer aux webtoons coréens lus par des millions de personnes sur smartphone. Son histoire est celle d'un médium longtemps méprisé qui a fini par conquérir sa légitimité culturelle, artistique et littéraire.

Retour sur les grandes étapes d'une aventure graphique qui ne cesse de se réinventer.

Définir la bande dessinée est un exercice plus délicat qu'il n'y paraît. Au sens le plus large, c'est un art de la narration séquentielle : une succession d'images fixes, généralement accompagnées de texte, organisées pour produire un récit. Will Eisner, figure tutélaire du médium, parlait d'« art séquentiel » (sequential art). Thierry Groensteen, théoricien français de référence, préfère le concept de « solidarité iconique » — l'idée que les images de BD tirent leur sens de leur coexistence sur la page (source : Les Impressions Nouvelles).

En pratique, la BD se décline sous des formes très variées : album franco-belge de 48 pages, comic book américain de 22 pages, manga japonais sérialisé en magazine, roman graphique de 300 pages, webtoon lu verticalement sur écran. Ce qui les unit, c'est ce principe fondamental : des images mises en relation pour créer du sens narratif.

Le terme « 9e art » a été popularisé en France dans les années 1960 par le critique Claude Beylie et le cinéaste Morris, dans la continuité d'une classification des arts qui va de l'architecture (1er art) au cinéma (7e art) puis à la télévision (8e art). La bande dessinée occupe la neuvième place — une reconnaissance tardive mais désormais solidement ancrée.

Des images séquentielles avant la BD

Les ancêtres de la bande dessinée sont aussi vieux que le récit en images lui-même. La Tapisserie de Bayeux (XIe siècle), les estampes japonaises, les feuilles volantes satiriques du XVIIIe siècle — autant de formes qui préfigurent le médium sans en constituer véritablement des exemples. Il manquait un élément clé : l'articulation systématique entre texte et images dans un dispositif narratif séquentiel.

Rodolphe Töpffer, père fondateur

C'est le Genevois Rodolphe Töpffer (1799-1846) qui franchit le pas. Professeur, peintre et écrivain, Töpffer publie en 1833 L'Histoire de Monsieur Jabot, considérée comme la première bande dessinée moderne. Chaque page contient plusieurs cases accompagnées de légendes, le tout formant un récit continu et humoristique (source : Töpfferiana).

Ce qui distingue Töpffer de ses prédécesseurs, c'est sa conscience théorique du médium. Il invente non seulement la « littérature en estampes » mais en formule aussi les principes. Goethe lui-même, à qui Töpffer avait envoyé ses manuscrits, encouragea leur publication. L'auteur suisse produisit sept albums entre 1833 et 1845 — un corpus fondateur que le théoricien Thierry Groensteen qualifie de « moment töpfférien » (source : Laboratoire junior Sciences du Design).

L'essor de la presse illustrée

Après Töpffer, la bande dessinée se développe dans la presse. Aux États-Unis, Richard Felton Outcault crée The Yellow Kid en 1895 dans le New York World de Pulitzer — la première BD publiée régulièrement dans un quotidien. Le comic strip américain est né. En Europe, les journaux pour la jeunesse comme Le Petit Français illustré ou L'Épatant diffusent les Pieds Nickelés de Louis Forton dès 1908.

Le Journal de Tintin et le Journal de Spirou

Les années 1940-1970 constituent l'âge d'or de la bande dessinée franco-belge. Deux magazines rivaux structurent le paysage : le Journal de Tintin (1946, éditions du Lombard) et Spirou (1938, éditions Dupuis). Chacun fédère des écoles stylistiques distinctes (source : Wikipédia — BD franco-belge).

Hergé (Georges Remi, 1907-1983) incarne l'école de la « ligne claire » : trait précis, aplats de couleur, décors documentés avec une rigueur maniaque. Les Aventures de Tintin, publiées de 1929 à 1976, ont été traduites dans plus de 70 langues et vendues à plus de 250 millions d'exemplaires. Hergé est considéré comme le père de la BD européenne moderne.

Du côté de Spirou, André Franquin (1924-1997) révolutionne le dynamisme graphique. Son Gaston Lagaffe (1957) introduit un anti-héros anarchiste dans un magazine pour enfants. Franquin pousse la mise en page vers une expressivité inédite, avec des gags visuels d'une inventivité qui influence encore les auteurs contemporains.

Les autres géants de l'âge d'or

La période est d'une richesse exceptionnelle. Morris crée Lucky Luke (1946), Peyo imagine les Schtroumpfs (1958), Goscinny et Uderzo lancent Astérix en 1959 — qui deviendra la BD la plus vendue au monde avec plus de 395 millions d'albums écoulés. Edgar P. Jacobs, avec Blake et Mortimer, impose un style réaliste et narratif ambitieux.

Les années 1960-1970 voient émerger une BD adulte en France avec des revues comme Pilote (1959), qui publie Goscinny, Gotlib, Bretécher, Giraud/Mœbius. La bande dessinée commence à s'affranchir de son image de « lecture pour enfants ».

L'ère des super-héros

Aux États-Unis, la BD prend un chemin très différent avec le comic book. En 1938, Jerry Siegel et Joe Shuster créent Superman dans Action Comics #1 — naissance du super-héros et d'une industrie qui génère aujourd'hui des milliards de dollars entre comics, films et produits dérivés. Batman suit en 1939, Captain America en 1941.

L'après-guerre apporte une crise : la publication en 1954 de Seduction of the Innocent par le psychiatre Fredric Wertham entraîne la création du Comics Code Authority, un système d'autocensure draconien qui contraint le contenu des comic books pendant des décennies. Si vous vous intéressez à l'univers Marvel et DC aujourd'hui, cette période fondatrice explique beaucoup de choses.

Les comix underground

La réponse vient des marges. À la fin des années 1960, un mouvement underground émerge à San Francisco, en pleine contre-culture. Robert Crumb publie Zap Comix #1 en 1968, vendant les premiers exemplaires dans une poussette de bébé au coin de Haight et Ashbury (source : Britannica — R. Crumb). Les comix (avec un « x » pour marquer la transgression) abordent tout ce que le Comics Code interdit : sexualité, drogue, politique radicale.

Ce mouvement, rejoint par Gilbert Shelton, Spain Rodriguez ou Harvey Pekar, ouvre la voie à la bande dessinée alternative des années 1980-1990 : Raw (Art Spiegelman), Love & Rockets (frères Hernandez), Ghost World (Daniel Clowes). Le roman graphique tel qu'on le connaît aujourd'hui est l'héritier direct de cette contre-culture.

Osamu Tezuka, le « dieu du manga »

Au Japon, la bande dessinée prend une ampleur sans équivalent occidental. Osamu Tezuka (1928-1989), surnommé le « dieu du manga », en est le principal artisan. Avec Shin Takarajima (La Nouvelle Île au trésor, 1947), il introduit des techniques cinématographiques dans la narration graphique : cadrages dynamiques, montage rapide, expression des émotions par le dessin. Son Astro Boy (Tetsuwan Atomu, 1952-1968) se vend à plus de 100 millions de volumes et donne naissance en 1963 au premier anime télévisé japonais (source : Wikipedia — Osamu Tezuka).

Un marché colossal

Le manga japonais est aujourd'hui une industrie gigantesque. Les magazines de prépublication — Weekly Shōnen Jump (Shūeisha), Weekly Shōnen Magazine (Kōdansha) — tirent à des millions d'exemplaires. Le marché est segmenté par lectorat : shōnen (garçons adolescents), shōjo (filles adolescentes), seinen (hommes adultes), josei (femmes adultes).

Des œuvres comme Dragon Ball (Akira Toriyama), One Piece (Eiichirō Oda, plus de 530 millions d'exemplaires vendus), Naruto ou L'Attaque des Titans ont conquis un lectorat planétaire. Le manga seinen offre des récits d'une complexité narrative qui rivalise avec la meilleure littérature.

En France, le manga représente désormais plus de 50 % des ventes de BD en volume — un basculement culturel majeur amorcé dans les années 1990 avec la vague Dragon Ball et Akira.

Naissance en Corée du Sud

Le webtoon, né en Corée du Sud au début des années 2000, représente la mutation la plus récente et la plus spectaculaire de la bande dessinée. Publié sur des plateformes numériques comme Naver ou Daum (aujourd'hui Kakao), le webtoon se lit en scrolling vertical sur smartphone, en couleur, souvent gratuitement (modèle freemium).

En 2023, le secteur a généré un chiffre d'affaires de 1,5 milliard d'euros en Corée du Sud, porté par plus de 10 millions de lecteurs quotidiens (source : CCI France Corée). Le marché mondial des webtoons devrait dépasser les 30 milliards de dollars d'ici 2030, avec un taux de croissance annuel composé de plus de 35 % (source : Mordor Intelligence).

Un médium à part entière

Le webtoon n'est pas simplement de la BD mise en ligne. Son format vertical impose un rythme de lecture différent, des compositions spécifiques et une narration adaptée au scroll. Les meilleures séries — Tower of God, Solo Leveling, Lore Olympus — développent des univers narratifs qui alimentent ensuite des adaptations en anime, drama ou jeu vidéo.

En France, les webtoons francophones et les webtoons sentimentaux trouvent un public en forte croissance. Des plateformes comme Webtoon Canvas permettent à des auteurs indépendants de publier directement, sans passer par un éditeur. La frontière entre BD traditionnelle et webtoon s'estompe progressivement.

La reconnaissance institutionnelle

La bande dessinée a gagné ses lettres de noblesse. Le Festival international de la bande dessinée d'Angoulême, créé en 1974, est devenu l'un des plus grands événements culturels européens. Le Centre national de la bande dessinée et de l'image (la Cité de la BD) contribue à la recherche et à la diffusion du patrimoine graphique depuis 1996 via sa revue 9e Art.

Les grands musées exposent désormais la BD : le Louvre a lancé en 2005 une collection d'albums réalisés par des auteurs de BD, la BnF consacre régulièrement des expositions au médium. En 2020, le prix Nobel de littérature a été attribué à une poétesse, mais le roman graphique Maus d'Art Spiegelman avait déjà reçu un Pulitzer en 1992.

La diversité des formes contemporaines

La BD contemporaine est un paysage d'une diversité sans précédent :

• Le roman graphique poursuit sa conquête du lectorat adulte avec des œuvres autobiographiques, documentaires ou historiques
• La BD indépendante explore des territoires formels et narratifs audacieux — les meilleures BD indépendantes en témoignent chaque année
• Le manga continue de dominer les ventes en volume à l'international, avec des genres comme le seinen qui repoussent les limites du récit graphique
• Le webtoon capte un public jeune et connecté, avec des chiffres de lecture vertigineux
• L'illustration numérique renouvelle les techniques créatives — le débat Procreate vs Clip Studio Paint passionne les auteurs contemporains

Les défis du 9e art

Malgré cette vitalité créative, la bande dessinée fait face à des défis structurels. La surproduction éditoriale (plus de 5 000 nouveautés par an en France) rend la visibilité difficile pour les auteurs. La rémunération reste un problème : selon les États généraux de la BD, le revenu médian d'un auteur de BD en France se situe autour de 1 000 euros par mois. Le piratage numérique menace les modèles économiques traditionnels.

Pour autant, le 9e art n'a jamais été aussi vivant, aussi divers, aussi lu. De Töpffer à Solo Leveling, de Hergé aux créateurs de webtoons sur smartphone, la bande dessinée a prouvé sa capacité à se réinventer à chaque génération. C'est peut-être la leçon la plus durable de ses deux siècles d'existence : un art véritablement populaire, au meilleur sens du terme, qui refuse de se laisser enfermer dans une case.

• Töpfferiana — La bande dessinée au siècle de Rodolphe Töpffer
• Les Impressions Nouvelles — M. Töpffer invente la bande dessinée
• Wikipédia — Bande dessinée franco-belge
• Britannica — R. Crumb
• Wikipedia — Osamu Tezuka
• CCI France Corée — Le webtoon redessine le paysage de la BD
• Mordor Intelligence — Marché des webtoons
• Cité internationale de la bande dessinée et de l'image — Angoulême